Serie "Jewel and Skin". Modelo: Andrea Rubio.
Ya he comentado en varias ocasiones (y en varios sitios), que estos meses (y los próximos) van a tener una mayor lentitud en las actualizaciones del blog porque gran parte del tiempo "extra" lo estoy dedicando a mi libro sobre iluminación...
.... ya empieza a ser un tema repetitivo ...
... ¿qué vamos a hacer? ...
Es "el tema" en el que estoy más centrado actualmente. Espero que lo entiendas / entendáis.
De hecho, para no salirnos del mismo tema, dedicaremos tangencialmente la entrada de hoy a él.
En los últimos meses he dedicado la mayoría de mis sesiones a la iluminación casi exclusivamente con "flashes portátiles". Francamente, me parece un tema y una técnica de trabajo fascinantes, repletos de posibilidades...
... pero tenía ganas (muchas!) de volver al estudio.
Una parte del libro estará dedicado al trabajo en estudio. Básicamente la técnica de trabajo es la misma en ambos campos. La movilidad es menor con las unidades de estudio, su potencia mayor (habitualmente), la variedad de accesorios suele ser también mayor en estudio (aunque cada vez es más parecida en ambos campos), etc.
Una variedad de "pros y contras" para cada caso, cada equipo y cada gusto.
Pero en resumen, la luz es luz.
Independientemente de qué iluminador estemos empleando, si aprendemos adecuadamente los principios generales como generales desde una perspectiva amplia y no como métodos de trabajo aplicados a un tipo de equipo en concreto, será de menor importancia con qué equipos estemos trabajando en cada ocasión (tipos de flash, sistemas de disparo, modificadores de luz, etc.) y de mayor importancia cómo queremos representar fotograficamente la escena a la que nos estamos enfrentado (obviamente, prefiero la segunda alternativa ;)
De este modo lograremos buenas y variadas calidades, un mejor aprovechamiento de los diversos niveles de luminosidad, relaciones flexibles entre luces / sombras / zonas de transición, que nos permitan representar el volumen a nuestro gusto, podremos lograr imágenes más descriptivas o más evocativas (las que más me gustan!) según el tipo de trabajo que queramos (o debamos) hacer, etc. etc. etc. (el etcétera es realmente largo aquí).
Prefiero observar y enseñar la iluminación como un todo global, aprendido de forma progresiva, en lugar de parcelas individuales para cada tipo de equipo o iluminación.
Una de las razones por las que no me gusta la segunda opción, es que esas parcelas individuales deben aprenderse por separado, lo que supone una mayor lentitud en su control, más tiempo y más riesgo de establecer incómodas lagunas por enmedio, infundados prejuicios sobre lo que un tipo de luz puede o no hacer (dogmatismos injustificados... sí, sí, también existen en fotografía... abundan incluso), etc.
Ése es el plantamiento que sigo en el libro: como decía, la luz es luz...
Cuanto más amplia sea la perspectiva desde la que la observemos (y más alejada de los agarrotados dogmatismos), más fácil nos resultará experimentar, obtener nuevos resultados, aprovechar su flexibilidad.... sentirnos seguros entre los flashes portátiles o de estudio o luces contínuas o leds (sí, sí, cualquier día aterrizan en nuestra bolsa de equipo :)
... y utilizarlos todos ellos sin problemas, incluso combinándolos!
De ese modo lograremos más fácilmente obtener aquello que queremos lograr... y no deberemos contentarnos con "lo que salga" (algo que, por otro lado, a todos nos pasa en fotografía al principio)
¿Un ejemplo? vamos a ello:
¿No te has encontrado en ninguna ocasión con esa luz dura e intensa de la mañana, que se cuela por una ventana, que sería ideal para un retrato si te pillase en otro momento y/o en otro el lugar y/o durase más tiempo?
¿No te ha ocurrido nunca algo parecido con la luz del atardecer (no me refiero al atardecer como tema fotográfico o como paisaje... me refiero a su luz incidiendo sobre otras escenas: interiores, retratos, etc.)?
A mi me ocurre muchas veces!
Algunas soluciones son adelantarse a ese momento, esperarlo, buscar un mejor encuadre en un mejor espacio para el mismo tipo de luz... o recrearla con un flash!
Si optamos por la última alternativa, sería recomendable llevar un filtro de 1/2 CTO, o incluso un CTO completo.
Según el modelo de flash que emplees, puede que ese filtro ya viniese con él, en la caja original (SB800, SB900).
... dónde estará aquella cajita transparente ¿? dónde estará la caja del flash ¿? ....
(es una pequeña broma, pero la aprovecho para recordar que merece la pena guardar todo lo que viene en la caja de nuestro equipo... incluso aquella pieza que no pensamos usar nunca !)
Sea como fuere, si no tenemos filtros, el
Kit Strobist de Rosco es una de las mejores alternativas: una gran variedad de efectos potenciales (tanto fantásticos e irreales, como 100% realistas), por un precio muy asequible (realmente muy asequible) y fácil de encontrar en tienda física.
Un consejo: cuando accedáis a la página del Kit Strobist, veréis una lista de tiendas físicas... no os frustréis si no encontráis una cercana... hay más de las que aparecen en esta lista.
Como contrapartida, la gente de Rosco es majísima; no dudéis en contactar con ellos para preguntar por la tienda física que distribuya Rosco más cerca de vuestro domicilio. Si dudáis, echadme la culpa a mi, decidles que lo leisteis en este blog ;)
Con un flash y (opcionalmente) con un kit Rosco ya podemos hacer muchísimas cosas. No es imprescindible llevar grandes equipos ni multitud de accesorios para empezar. De hecho, ésta me parece una de las grandes equivocaciones que nos tiene "paralizados" durante mucho tiempo cuando empezamos a dar nuestros primeros pasos en la iluminación con flash (y en la fotografía en general: confundir lo accesorio con lo imprescindible).
No olvides que, en ocasiones, la fórmula más sencilla es la más efectiva.
¿Sería útil ver un ejemplo de lo dicho? de acuerdo!
Modelo: Andrea Rubio.
Ésta es una de las luces que me gusta, pero que no siempre me encuentro en el momento adecuado, o en el lugar adecuado, o me pilla sin tiempo...
¿Solución? "transportarla" al lugar y momento adecuados!
La fotografía anterior está realizada a las 12 del mediodía (sí! ese mediodía popularmente conocidompor no ser demasiado adecuado para hacer retratos!). He simulado la luz del atardecer con un único flash sin accesorios y un filtro CTO completo.
(si te estas preguntando qué paraguas emplee: plateado por reflexión, blanco por transimision...
... ninguno!
Por supuesto, no hay paraguas, ni ningún accesorio extra salvo el filtro CTO... dije un único flash sin accesorios! :)
Y bien, hasta aquí hemos llegado, cuando (supuestamente) iba a hablar sobre mi vuelta al estudio. Como en esta ocasión ya hemos consumido mucho espacio (y tiempo) hablando de muchas cosas (aunque pocas de ellas sobre estudio), no me da tiempo a hacer el habitual esquema de luces que muestre como se iluminó la imagen que presentaba este artículo (la azul, no la de la puesta de sol...).
A falta de tiempo para hacer el esquema gráfico de iluminación, dejo en su lugar una fotografía del set con la iluminación empleada:
Trabajando en el plató de AIDO. Modelo: Andrea Rubio.
En resumen:
5 puntos de luz (2 Profoto 1200W con ventanas rectangulares grandes, 2 Elinchrom 400W con ventanas cuadradas medias y 1 Elinchrom 500W con ventana Octobox).
Alguna imagen de esta serie aparecerá en el libro, así como los equipos empleados, las posibilidades contempladas para llegar a esta iluminación... reflexiones e incluso dudas (siempre hay alguna :)
La dominante de color es muy fácil de lograr: cambiando el balance de blancos a "tungsteno" mientras trabajamos con flash.
En el caso concreto de esta fotografía, con un ligero cambio: puesto que iba a utilizar el plug-in
"Portraiture 2" para repasar la piel tras su limpieza manual, necesitaba color de piel real durante el procesado. Por tanto, disparé con balance de blancos "flash" (lo habitual en este caso), convertí de RAW a TIFF con ese valor y, tras todo el trabajo de procesado, convertí el TIFF de 16 bits a balance de tungsteno con Photoshop.
Para quienes vayáis a trabajar con "Portraiture 2", un consejo: hacedlo despues de eliminar las imperfecciones de la piel manualmente con Photoshop y no antes. El resultado es mucho mejor y más flexible!
Y bien, creo que por hoy ya nos hemos extendido suficiente. Si has llegado hasta aquí, recibe mi agradecida enhorabuena!
Por cierto, para los que han llegado hasta aquí y son observadores:
Habréis visto que en el set habían 2 unidades Profoto con dos ventanas enormes para iluminar el fondo...
Os plantearéis ¿no es un "malgaste de equipo?
Si no hubiese ninguna razón extra para hacerlo, probablemente la respuesta sería: sí, es un "malgaste".
Pero en esta ocasión las unidades de Profoto estaban ahí para ahorrar tiempo. Los mismos Profoto habían sido empleados para iluminar uan serie de imágenes anterior, en la misma posición, pero no con la misma orientación. En este caso, mover menos suponía ahorrar tiempo (lo que hacía realmente falta en este momento de la sesión).
Una de las imágenes realizadas con los Profoto cuando su posición era la misma, pero la orientación diferente es ésta (correspondiente a la misma serie "Jewel and Skin"):
Serie "Jewel and Skin". Modelo: Andrea Rubio.
Puedes ver alguna imagen más de esta serie en mi web de flickr:
Hoy ya no da tiempo de más.
La explicación de cómo se iluminó esta imagen deberemos dejarla para otro día :)
Gracias por llegar hasta aquí!
