Combinando contraluces laterales y luz frontal elevada

© Miguel Angel Muñoz Pellicer

www.photomamp.com 

Hay ocasiones en las que tenemos varios planos, con un mismo nivel de luminosidad (brillo) y con una variación mínima en el color (tono). En algunos casos, queremos mantener el nivel homogéneo de iluminación para ambos planos y como resultado, obtenemos una imagen con un aspecto "plano", sin relieves, sin contornos ... el elemento que queríamos destacar sobre el fondo, no se diferenciará lo suficiente, por tener ambos un brillo similar. 

Un método muy sencillo para separarlos visualmente, es emplear luces "de contra lateral" (como en la imagen superior) o de contraluz pleno (como en ésta otra fotografía).

Para la imagen que encabeza este artículo, empleé luces "de contra lateral", o "de contorno",  o "de recorte" (en inglés "Rim Lighting"). Estas luces permiten "recortar" la silueta, desde la parte baja de la espalda, hasta poco mas arriba de los hombros, asegurando que ésta se "despegue" del fondo y adquiera volumen.

Para la parte superior de la espalda y la cabeza, empleé una iluminación muy distinta: una luz elevada y ligeramente ladeada a la derecha (prácticamente, la mitad superior de un "clamshell", para entendernos).

La combinación de ambas luces nos permiten ofrecer una doble y sugerente lectura de la espalda. En la zona superior, una visión detallada del cabello, cuello y collar. En la zona inferior, un recorrido por la espalda cada vez más subjetivo e intuido, en el cual, las formas tienen más que decir que las superficies. Donde el brillo y color de la espalda, continua fundiéndose con el fondo progresivamente, y distinguiéndose de él simplemente por la línea de contorno (la que produce esa luz de contra con la que empezamos estas líneas).

Un adecuado equilibrio entre ambas luces, nos ayudará a que conseguir un degradado suave, que nos permita pasar de un tipo de luz a otro, sin darnos cuenta.

Si quieres ver de forma más sintética la distribución de luces, a continuación la tienes con la habitual vista cenital:

Leyenda:

1- Luces de "contra lateral". Simétricas, a ambos lados de la espalda, más cercanas al fondo que la modelo*.

2- Paneles opacos para evitar el "flare"*.

3- Luz elevada, ligeramente ladeada a la derecha.

* En la posición en que se encuentran las luces "1", hay mucho riesgo de que se produzca "flare". En principio, no considero el "flare", un efecto a evitar ni a incorporar por defecto. Me parece más interesante decidir en cada ocasión, si lo quiero en la imagen, o no, si va a aportar algo a la escena, o no... y en base a ello,  mantenerlo o evitarlo

En este caso, decidí evitarlo evitarlo. Para ello, emplee una distancia focal más larga (reduciendo así el ángulo de visión), un  parasol en el objetivo y dos paneles opacos (que aparecen con el número 2).

En los tres casos, las luces tenían instaladas ventanas. Es cierto que empleamos reflectores ("parábolas"), conos o panales, para producir luces "de contra" o "de recorte" habitualmente... pero en este caso, una ventana me permitía ampliar el área de acción de la luz (desde arriba del hombre, hasta debajo de la espalda) sin tener que alejar tanto el flash.

Espero que te haya gustado.

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7. Proceso de trabajo (muy) básico

(c) Miguel Angel Muñoz Pellicer / www.photomamp.com

A continuación vamos a hacer un recorrido muy sencillo por un método posible para organizar la iluminación en el estudio. Hay procesos mucho mas complejos, y mucho más personalizados, tanto para estudio como para exteriores. En el contexto y tipo de curso que nos ocupa, partiremos de una perspectiva sencilla.

Obviamente, en un curso avanzado buscaríamos voluntariamente un mayor complejidad en todos los factores: el entorno (estudio y exteriores), los esquemas de iluminación (cantidad de unidades de flash y optimización de su uso), en la perspectiva y distancia focal a utilizar, en el modo de representación del sujeto, superficies, texturas, etc.

Por el momento volveremos a un punto de vista más sencillo (aunque efectivo!): Como método básico para decidir la ubicación de las luces en el estudio, podemos seguir un orden lógico. Pongamos por ejemplo, una estructura de 3 luces:

• 
  
  A. En primer lugar ubicamos la luz principal. La potencia de esta luz (y la exposición que requiera) será el punto de partida para decidir las potencias del resto de luces (un ejemplo habitual: una luz frontal a 45º).
• 
  
  B. A continuación ubicamos la luz de relleno para suavizar las sombras, en caso de que lo consideremos necesario y en la cuantía en que lo consideremos necesario (siguiendo el ejemplo anterior, podríamos ubicar la luz de relleno de forma simétrica, a 45º frontal y en el lado opuesto).
• 
  
  C. Si queremos que la figura obtenga tridimensionalidad y queda recortada sobre el fondo, podemos utilizar una luz para iluminar el cabello o el contorno de la figura recortándolo sobre el fondo, o bien una luz dirigida al fondo, o ambas.
• 
  
  D. En algunos casos querremos generar efectos, acentuar algún elemento mediante una luz puntual, etc. En estos casos podremos plantearnos la posibilidad de incrementar la cantidad de focos (por ejemplo: utilizar una luz con cono y/o panal de abeja para el cabello), o bien alterar parcialmente la distribución de luz de un foco amplio, mediante el uso de banderas translúcidas (por ejemplo: reduciendo parcialmente la luz que incide sobre el cuerpo, desde una ventana, sin afectar a la luz que la misma ventana dirige al rostro).

Como vemos, el método más sencillo (que no el único) para decidir la ubicación de estas luces vendrá indicado por la situación de la luz principal y las necesidades que genere para su reproducción fotográfica.

Del mismo modo procederemos con la intensidad de la luz en cada una de esas ubicaciones. De nuevo, siguiendo un orden lógico, podemos prever qué potencia de luz asignar a cada una, en base al efecto que queramos lograr:

A. Luz principal:

Su potencia marcará la exposición (bien sea ligeramente sobreexpuesta o ligeramente subexpuesta, según nuestras pretensiones). Trabajando con luz de destello, el valor esencial para ajustar la exposición será la abertura de diafragma o “nº f”. La única limitación en la velocidad de obturación será no sobrepasar la máxima velocidad de sincronización de la cámara con la que estemos trabajando.

(Existen diversos sistemas para sincronizar obturación y destello de flash, más allá de la máxima velocidad de sincro "standard"... pero no son necesarios en el contenido de este curso).

Puesto que el “nº f” regirá la exposición, nos aseguraremos que la potencia de la luz principal sea la adecuada para la abertura de diafragma con la que queramos trabajar (por razones de profundidad de campo requerida, rendimiento de la óptica, etc.).

Una vez seleccionada la potencia adecuada y hallado el “nº f” para exponer correctamente esa luz, toda la imagen deberá regirse (obviamente) por la misma exposición. Por tanto, las nuevas luces deberán estar subordinadas al diafragma adecuado para la luz principal.

La relación de intensidad de luz entre los diversos focos se denomina “Relación de Iluminación” o “Ratio de Iluminación”; relaciona las intensidades de la luz entre focos y se expresa del modo:

”Ratio 1:1” : ambos focos tiene la misma intensidad. Es decir, ambos quedan correctamente expuestos con la misma abertura de diafragma.

“Ratio 2:1” : el primer foco posee el doble de intensidad que el segundo. Si al primero correspondiese una abertura de diafragma f:11, al segundo correspondería una abertura f:8. O dicho de otro modo, el segundo foco quedará subexpuesto 1 EV o “1 punto”.

“Ratio 3:1” : el primer foco posee el triple de intensidad que el segundo. Este segundo foco quedará subexpuesto 1,5 EV o “1 punto y medio”.

“Ratio 4:1” : A partir de este ratio de iluminación (4:1, 8:1), el efecto que produce la iluminación es más dramático. En este caso, el segundo foco posee una cuarta parte de intensidad que el primero. Este segundo foco quedará subexpuesto 2 EV o “2 puntos”.

Y así sucesivamente para el resto de valores.

B. Luz de relleno:

Dependiendo de la intensidad que queramos mantener en las sombras, crearíamos un "Ratio de Iluminación" de 1:1 (en caso de que queramos mantener la misma intensidad en ambas luces), 2:1 (la diferencia entre la luz principal y la de relleno es de un punto), etc.

Un buen punto de partida es crear una diferencia de luces de 2:1 a 4:1 entre la luz principal y la de relleno.

C. Luz de contorno:

Cuando ubicamos una luz trasera a 45º (cercana al fondo y dirigida hacia la/el modelo), para delimitar con una línea de luz el contorno de la figura o el pelo, podremos sobreexponer esta luz en una relación 2:1 con respecto a la luz principal. Deberemos controlar el riesgo de que los detalles desaparezcan con la sobreexposición (detalles del cabello, textura de la piel, tejidos, etc.).

D. Luz de fondo:

Dependiendo del tipo de fondo a emplear y del efecto pretendido, podemos iluminar el fondo con la misma intensidad que la luz principal o incluso sobreexponerlo.

En el caso de un fondo de color, en que queramos mantener su tono saturado, podemos empezar con un Ratio 1:1 entre luz principal y luz de fondo.

Si tenemos un fondo blanco, podemos elegir asignarle una variedad continua de tonos, entre gris oscuro, gris claro o blanco sin detalle, procediendo del siguiente modo:

Tono gris oscuro a partir de fondo blanco: subexpondremos el fondo respecto a la luz principal (Ratio 2:1 en favor de la luz principal).

Tono gris claro a partir de fondo blanco: podemos empezar con un Ratio 1:1 respecto a la luz principal.

Tono blanco sin detalle a partir de fondo blanco: para mantener un fondo blanco plano, continuo, luminoso y sin detalle, lo sobreexpondremos hasta 2 EV (2 puntos) con respecto a la luz principal. Obtendremos, en este último caso, un Ratio 4:1 en favor de la luz de fondo, respecto a la luz principal.

En este caso, deberemos dedicar especial atención a los contornos de la figura. El exceso de sobreexposición respecto a la luz principal, puede producir una perdida de información en los contornos del sujeto recortados ante el fondo blanco.

A su vez, cuidaremos la distribución de la luz parásita y periférica utilizada para el fondo; ésta puede incidir en las zonas limítrofes del sujeto, sobreiluminándolo, e incluso en zonas marginales de la lente, produciendo flare (evitaremos este riesgo con el uso de banderas independientes, paneles opacos y/o parasol en el objetivo).

Próximo capítulo:

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